„Ich habe versucht, Frieden mit dem Tod zu schließen“, erklärt Jacob Allen, der Singer-Songwriter, Produzent und Dichter, besser bekannt als Puma Blue. „Es ist schrecklich und es ist schmerzhaft. Ich würde nie sagen, dass es das nicht ist. Aber gleichzeitig kann der Prozess des Ganzen schön sein.“ So ist sein im Herbst 2023 erschienenes Album „Holy Waters“ weniger eine morbide Studie über die Sterblichkeit, als vielmehr eine Chronik der Güte in jedem sich wiederholenden Kreislauf von Leben, Tod und Wiedergeburt, die am Ende des Albums schließlich zu einer sanften Bestätigung an sich selbst ebenso wie an die Hörer*innen gelangt, weiterzumachen, „don’t let the dark take you whole“. Es ist die hoffnungsvolle Trostlosigkeit, die dich erwischt.
„Holy Waters“ wurde mit seiner Live-Band während zweier Besuche in den Echo Zoo Studios in Eastbourne aufgenommen und markiert auch eine scharfe Abkehr von den Solo-Schlafzimmer-Produktionen der frühen EP-Veröffentlichungen, „Swum Baby“ (2017) und „Blood Loss“ (2018), ein isolierter Ansatz, der später auf seinem Debütalbum während des Lockdowns verstärkt wurde.
Kollaborationen haben sich in letzter Zeit auch in Jacobs andere Arbeiten eingeschlichen, frisch von Produktion und Songwriting für Loyle Carners Album „Hugo“, neben einer beeindruckenden Liste von Co-Writings unter anderem mit Biig Piig, Mahalia und Lava La Rue. Der Dopaminrausch zieht sich als ein neues Selbstvertrauen durch „Holy Waters“: „Es macht mich stolz; anstatt dieses unangenehmen Gefühls, sein eigenes Spiegelbild zu bewundern oder sich für sein eigenes Spiegelbild zu schämen, ist die Musik auch zu einem Spiegelbild der Menschen geworden, die ich liebe.“
Zusammen mit dem Mix-Techniker Sam Petts-Davies (The Smile, Warpaint) gab es einen Ansatz, zu dem sie immer wieder zurückkehrten, während sie „Holy Waters“ den letzten Schliff gaben: Jedes Element sollte wie das lauteste Element klingen. Das Ergebnis ist, dass Freude jede Klangecke durchdringt. Die Studiotechniken sind analoger und experimenteller als seine vorherigen Arbeiten, klingen aber voller, reichhaltiger, töten das Ego, das in Puma Blue übrig geblieben ist, und zahlen stolz ihren Band-zentrierten Tribut. Inspiriert von Koryphäen von Jeff Buckley bis Björk, waren für „Holy Waters“ vor allem Portisheads Verbindung von Live-Band und Produktion und die Improvisationsarbeit von Can und Hendrix wichtige Einflüsse.
Mit Harvey Grant am Saxophon, den Keyboards und als Co-Produzent, Cameron Dawson am Bass, Ellis Dupuy am Schlagzeug und Luke Bower an der Gitarre ist es geradezu eine Ironie, dass ein Album, das mit allumfassender Einsamkeit abrechnet, auf einem so starken Fundament der Freundschaft aufgebaut wurde. Es ist ein Miteinander, das um die erste Single „Hounds“ herumwirbelt und Jacobs Buckley-artige Zeile „I’ll find myself alone again“ – zu einer sich entfaltenden Post-Rock-Schlägerei mutieren lässt, in der Gitarrenwirbel in Machismo-Bässe rasseln und Blechbäser-gepolter die Nacht durchsticht wie von Kraut-Rock geküsste Pink Floyd auf ihrem psychedelischen Comedown. Es ist eine musikalische Freundschaft, die Allens Ängste sanft neckt und seine Traurigkeit umarmt. Auf dem schmerzhaften „Mirage“, einer herzzerreißenden Ode an den Tod eines Schulfreundes, drängt sich das Crescendo von Gitarren und Synthesizer um sein Wehklagen, wie um es zu aufzufangen. Gute Freunde sind da, wenn man sie braucht

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ANA FRANGO ELÉTRICO
Import/Export
München

Seit 2015 erforscht Ana Frango Elétrico gewöhnliche Alltagselemente und sättigt die Realität in grafischen, poetischen und klanglichen Formen. Im Jahr 2018 erlangte ihre Arbeit nationale Bekanntheit in der unabhängigen Musikszene mit der Veröffentlichung von Mormaço Queima - „ein horizontal produziertes Album / Gemälde; gesättigt, mit Texturen, Geschmäckern und Farben; ein Bossa-Pop-Rock mit Cartoon“.

2019 veröffentlichte Ana ihr zweites Studioalbum, Little Electric Chicken Heart (Selo RISCO). Das Album brachte ihnen die Auszeichnung APCA 2019 als „Musikalische Offenbarung“ (von der Paulista Association of Art Critics) sowie Nominierungen für den Latin Grammy 2020 (in der Kategorie „Bestes Rockalbum in portugiesischer Sprache“), den Multishow Award für brasilianische Musik (in den Kategorien „Album des Jahres“ und „Offenbarung“) und die Woman Music Event Awards (in der Kategorie „Listen to the girls“) ein. Das Album erreicht auch internationale Projektion, wird in mehreren Sprachen von der Presse und Fachkritikern besprochen und in Brasilien und Japan auf Vinyl gepresst. Ebenfalls 2019 zeichnet Ana für die musikalische Leitung und die Klangarchitektur der Eröffnung der Ausstellung Ballet Literal der Künstlerin Laura Lima in der Galerie Gentil Carioca verantwortlich, die sich derzeit im Museum für zeitgenössische Kunst in Barcelona befindet.

Im darauffolgenden Jahr bringen sie Escoliose: Paralelismo miúdo (Garupa Edições, 2020), ein Buch, das Gedichte, Drucke und Illustrationen aus den Jahren 2015 bis 2019 versammelt und in dem sie verschiedene Techniken und Poetiken zu einem der Schlüsselkonzepte ihrer Arbeit, dem „blechernen Parallelismus“, zusammenfügen. „Das ist Poesie mit einer anderen Generations-DNA“ - sagt Heloisa Buarque de Holanda im Nachwort des Buches - „eine fast unverschämte DNA, die sich radikal dem persönlichen und lokalisierten Zeugnis zuwendet und jede Aura der Poesie entmystifiziert (zumindest mit Ausnahme derjenigen der edlen Zeiten des männlichen Kanons) zugunsten der Befreiung einer körperlichen, freiheitlichen Sprache“.

Im selben Jahr veröffentlichten sie die Lieder Mama Planta Baby und Mulher Homem Bicho, die sie während der Zeit der sozialen Isolation aus der Ferne produzierten und für die sie den WME 2020 Award in der Kategorie „Bester Musikproduzent“ erhielten.

Im Jahr 2022 gewannen sie nicht nur den Latin Grammy als Koproduzent des Albums Bala Desejo, sondern nahmen auch an einigen der wichtigsten brasilianischen Festivals wie Lollapalooza, Primavera Sounds und Coala Festival teil.

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DYLAN LEBLANC &

THE STEEL VAQUEROS
Blue Shell
Köln

Dylan LeBlanc ist ein Singer-Songwriter und Multi-Instrumentalist, der sich oft an den Rand drängt - oder "auf dem Rasiermesser tanzt", wie er es nennt -, denn das ist alles, was er je gekannt hat. Ein Urteilsvagabund seit seiner Kindheit, der zwischen Texas, Louisiana und Alabama hin- und hergeworfen wurde, gedeiht LeBlanc am Abgrund, ohne jemals lange an einem Ort zu bleiben. Es ist dieser nomadische Geist, der ihn nicht nur zu einem Leben als Tourmusiker, sondern auch zu dem Tier zog, das sein neuestes Album betitelt: 'Coyote'.
LeBlanc sagt, er habe sich schon immer mit der unersättlichen, schmarotzenden Natur des listigen Kojoten identifiziert. Ganz wie das Tier ist LeBlanc ein Wanderer, der weiß, wann er seinen Instinkten, musikalisch und sonst, vertrauen kann. Es ist eine spirituelle Verwandtschaft, die tief geht, aber er führt eine besonders haarsträubende Begegnung mit dem Tier darauf zurück, seine Bindung zu ihm zu festigen.
LeBlanc war in Austin, Texas, und kletterte die 30 Meter hohe Klippe hoch, spielte mit der Gnade von Mutter Natur, als er sich an Baumästen hochzog. Als er oben ankam, lag vor ihm nur ein üppiger Baumwipfel. Es herrschte eine Atempause, dann das Geräusch eines donnernden Raschelns, das immer näher kam. In einem Augenblick beobachtete LeBlanc, wie ein wilder Waschbär aus dem Wald kam, gefolgt von einem Tier, das stehenblieb und ihn mit intensivem Blick anstarrte: ein Kojote.
"Wir sehen uns gegenseitig direkt in die Augen... und ich sage - laut - 'Wenn es um dich oder mich geht, werde ich dich von dieser Klippe stoßen. Ich werde nicht hinuntergehen.' Es war intensiv, dieser menschliche Tiermoment", erinnert sich LeBlanc. "Ich habe das nie vergessen... er versuchte nur zu überleben und das tat ich auch."
'Coyote' ist LeBlancs erste selbst produzierte Veröffentlichung und prahlt mit einer sorgfältig ausgewählten Aufstellung von "Killer-Session-Musikern", wie dem Schlagzeuger Fred Eltringham (Ringo Starr, Sheryl Crow), dem Pianisten Jim "Moose" Brown (Bob Seger) und dem Bassisten Seth Kaufman (Lana Del Rey). Obwohl 'Coyote' vertrautes Terrain für LeBlanc abdeckt, der am Rand der Gefahr und ihrer vielfältigen Konsequenzen lebt, ist das Album sowohl autobiografisch als auch ein Konzeptalbum, das um die Figur des Coyoten, eines Mannes auf der Flucht, aufgebaut ist.
Die Geschichte von 'Coyote' entwickelt sich linear, beginnend mit dem wirbelnden, eindeutigen Titeltrack, der mit Streichern die Ankunft des Coyoten und seinen schnellen Abgang beschreibt, als er die Grenze überquert und sich mit Drogenkartellen einlässt. Die Probleme nehmen zu und dunkle Gewässer steigen, bis zum sechsten Track, "No Promises Broken", einem erhebenden Liebeslied gegen alle Widrigkeiten, das markiert, als Coyote ein Mädchen trifft und sein Glück sich zum Besseren zu wenden beginnt. Das Lied erzählt davon, wie Liebe heilt, und betont, dass Liebende offen bleiben, während sie ihre eigenen Freiheiten wahren, da LeBlanc glaubt, dass wahre Hingabe nicht gleichbedeutend mit Besitz ist. Er sagt, dass sowohl Coyote als auch seine Liebe mit Hindernissen konfrontiert waren, aber das Schicksal sie auf denselben Weg brachte und sie bereits vor ihrer Begegnung miteinander verband:
"'No Promises Broken' ist ein ehrliches Liebeslied über zwei Menschen, die aus derselben schwierigen Vergangenheit kommen, und das Schicksal verwebt sie miteinander. Es geht darum anzuerkennen, dass schwere Zeiten bevorstehen werden, aber zu schwören, es ohne Versprechen zu halten, die sie wissen, dass sie nicht einhalten können."
"Wicked Kind" taucht in Coyotes Sucht ein und warnt vor der immer präsenten Versuchung, die am Horizont lauert, und der Zurückhaltung, die es braucht, um wegzuschauen. Die LP endet mit "The Outside", dessen Titel LeBlanc zufolge wörtlich gemeint ist, da Coyote endlich außerhalb der Gefängnismauern ist. Mit grenzenloser Slide-Gitarre und nervösen Tasten malt es ein unheimliches, Wüstenautobahn-Vignettenbild von Coyote, der sich gegenüber bleibenden Geistern wehrt, die eine so mächtige Zögerlichkeit erzeugen, dass Coyote seine Perspektive anpassen muss und sich daran erinnern muss, dass er frei ist - der Kampf ist vorbei.
LeBlanc hat Schattierungen eines Lebens gesehen, das dem Charakter des Coyoten nicht unähnlich ist. Auch er wich vom geraden Weg ab und kämpfte in seiner Adoleszenz mit dem Umgang mit Wut. Genau wie die brutale Wahrheit von "Hate" beschreibt, dass die verkrüppelsten Teile von Coyote durch seine erschütternden Erfahrungen geformt wurden, ist es etwas, von dem LeBlanc glaubt, dass es universell ist, denn Hass diskriminiert nicht.
"Ich ging mit Menschen aus allen Lebensbereichen zur Schule. Wir waren verschieden, aber wir dachten, 'Wir sind alle arm', also sind wir alle im selben Boot. Wir sind alle in Chaos aufgewachsen. Es war die 90er Jahre in Louisiana an der Grenze zu Texas... diese Luft war schwer, Mann. Eine Art von 'Schwimm oder untergeh'-Mentalität."
LeBlanc ist der Erste, der seine raue Art und seine Neigung zum Konflikt warmherzig anerkennt, beides das Ergebnis der Volatilität und Instabilität seiner Jugend. Jetzt, nicht mehr ein Junge, der immer aufmerksam sein und sich verteidigen musste, erkennt LeBlanc, dass seine Wurzeln den Mann, der er heute ist, weder definieren noch begrenzen. Das Coverbild eines vom Pfeil verwundeten Kojoten spiegelt genau das wider und symbolisiert.